HAMADA MARI ist eine japanische Sängerin, die auf eine nahezu unglaubliche Karriere zurückblicken kann. Vor fast dreißig Jahren nahm sie Munetaka Higushi, der inzwischen verstorbene ehemalige Schlagzeuger der bekannten japanischen Heavy Metal Institution LOUDNESS, unter seine Fittiche und baute mit Hilfe einiger befreundeter Musiker ihre Karriere auf, die anfangs also durchaus von Hard Rock und Heavy Metal beeinflusst war. Bald arbeiteten auch Musiker aus anderen renommierten Bands mit ihr zusammen und es wurden sogar Musiker aus den Vereinigten Staaten von Amerika rekrutiert. Der musikalische Stil der Sängerin verweichlichte sich mit der Zeit jedoch etwas und variierte irgendwo zwischen Soft Rock und J-Pop. Mit diesem Konzept feierte die charismatische und auch ausgesprochen hübsche Sängerin Ende der Achtziger und Anfang der Neunziger ihre wohl größten Erfolge. Erst auf den letzten Alben ging es dann wieder zurück zu einem etwas härteren Stil, der auf dem inzwischen bereits einundzwanzigsten Studioalbum namens „Legenda“ seinen vorläufigen Höhepunkt findet.

Es ist schwer zu glauben, dass die warme und doch sehr vielseitige Stimme und die auf dem Cover abgebildete und vornehm gekleidete hübsche Dame einer bereits fünfzigjährigen und mit allen Wassern gewaschenen Frau gehört, aber das ist die überraschende Wahrheit. Noch heute wagt sich die Sängerin jedoch auf musikalisches Neuland und hebt sich somit vom Gris der üblichen alternden Popsternchen ab. Das eröffnende „Crisis Code“ ist beispielsweise eine düstere und doch leicht kommerziell angehauchte Gothic Rock Nummer erster Güteklasse bei der vor allem der Gesang sehr melancholisch klingt. Das Stück erinnert mich leicht an AFTER FOREVER und dies ist durchaus überraschend, da man bei japanischen Sängerinnen oft eher kindliche und etwas kitschige Stimmen erwartet, was hier glücklicherweise nicht der Fall ist.

Auch ansonsten ist auf diesem Album für Abwechslung gesorgt, was vor allem auch daran liegt, dass die einzelnen Musiker hier durchaus viel kreativen Freiraum haben und nicht unbedingt immer die Sängerin im Mittelpunkt des Geschehens steht. Manchmal geht es mit dem Experimentierfaktor jedoch auch ein wenig zu weit. Abwechslung ist an und für sich sicherlich lobenswert, aber manche Versuche gehen auf dem vorliegenden Album auch schon mal schief und insgesamt fehlt der Scheibe definitiv eine Art roter Faden. So passen beim stark vom europäischen Power Metal beeinflussten „Momentalia“ die schnellen Riffs und die hier engelszarte Stimmeder Sängerin einfach nicht zusammen.

An andere Stelle funktionieren solche Experimente dagegen doch. Die epische Power Metal Ballade „El Dorado“ bleibt dank wunderschöner und emotionaler elektrischer Gitarrensoli und einigen entspannenden Akustikparts immer musikalisch ansprechend und erinnert ein wenig an „A Tale That Wasn’t Right“ von der deutschen Power Metal Institution HELLOWEEN. Das etwas knackigere “Ransei-Conscientia” mit majestätischem Orgelintro erinnert hingegen eher an “Phoenix” von der legendären STRATOVARIUS Langrille namens Infinite und ist gar nicht einmal weit vom Speed Metal entfernt. Mein persönliches Highlight ist hingegen eher das epische „Forest“, das einen eher symphonischen Ansatz hat und streckenweise angenehm an alte WITHIN TEMPTATION erinnert. Musikalisch ziehen die beteiligten Musiker hier alle Register ihres Könnens und man fühlt sich geradezu an ein Rock Opera Projekt erinnert. Vielleicht probiert die vielseitige HAMADA MARI dies ja in Zukunft noch aus, denn nach diesem angenehmen Album kann man mit Fug und Recht behaupten, dass die charmante Dame immer noch musikalisch relevant ist und neue Wege gehen möchte.

Jeder, der sich also für japanische Kultur interessiert oder einfach einmal ein schönes Album irgendwo zwischen Power und Symphonic Metal hören möchte, das mit einer vielseitigen und warmen Stimme garniert ist, sollte sich dieses Werk definitiv nicht entgehen lassen.

(Online 16. Oktober 2012)

HAMADA MARI is a female Japanese singer that had an incredible career and this is already her twenty-first full length release in almost thirty years. She started as a protégée of the well-known late LOUDNESS drummer Munetaka Higushi in the early eighties. She later collaborated with a high amount of well know musicians who would also come from the United States of America. Even though she never got a definite international breakthrough, she soon became one of the best-selling Japanese artists in the late eighties and early nineties. Her style became a little bit more commercial and J-Pop orientated. Recently, her style became a little bit heavier once again and her brand new record “Legend” definitely has enough Heavy and Power Metal influences to be worth mentioned.

If you listen to the warm and variable vocals and if you take a look on the beautiful and well-dressed lady on the album artwork you surely wouldn’t expect that Hamada Mari is already fifty years old but that’s the stunning truth. The record sounds as fresh as she looks but still doesn’t reinvent a genre. Another positive fact is that there is still enough space for the instruments as the song structures don’t only focus on the vocals as it is often the case when we don’t talk about a band but about a singer only.

The opening “Crisis Code” is an amazing Gothic Rock song with hard but overall simplistic riffs. A few modern electronic samples are added to this and you happen to be surprised when the vocals set in. They sound quite dark and mysterious. The vocals are filled with atmosphere and charisma. They definitely don’t sound childish as many other sweet female Asian singers happen to be. I would simply associate them to a way I would imagine a fallen angel could sing. The vocals are mostly performed in English but there are also some little Japanese bits and pieces here and there.

That’s also the case for the second track “Momentalia” that could come from a European Power Metal band. The angelic vocals are surely technically well performed but they don’t really fit to the music and that’s the main problem with some songs on this album. Variation is a good thing but there is in fact a little bit too much of it on this record. HAMADA MARI and her team try out different genres and have many good ideas but sometimes the record feels a little bit directionless. A clear guiding line and structure is somewhat missing and makes the listening experience a little bit flawed by confusion at some moments.

The record still contains a couple of highlights that put the unique vocals in quite unusual and never before explored song structures. Especially the middle part of this release is truly impressive. The epic “El Dorado” is amazing Power Metal ballad in the key of HELLOWEEN’s “A Tale That Wasn’t Right”. The song features touching electric guitar solos but also intimate acoustic guitar moments. The song has enough diversity and especially emotion to remain relevant from the beginning to the end in over seven minutes of running time. With the equally long “Forest”, HAMADA MARI moves on a more Neoclassical or Symphonic Metal terrain that makes me think of WITHIN TEMPTATION for example. This track is an epic dark Pop song that has almost a rock opera structures the further it progresses. The warm keyboard sounds as well as the tribal drums keep the musical variation on a very high level on this album highlight. “Ransei-Conscientia” is then one of the hardest songs on the entire disc. It starts with some majestic organ sounds before an energizing Power or even Speed Metal track kicks off. The guitar work on this song is outstanding and even the vocals perfectly adapt to this genre. The track is surprisingly hard but still remains melodic. It makes me think a little bit of STRATOVARIUS’ “Phoenix” from the legendary Infinite album.

In the end, this record is definitely worth your attention of you like more commercial and mostly European sounding Gothic, Power and Symphonic Metal with variable vocals. Some courageous pieces on here work quite well and make this record quite entertaining but some songs also feel a little bit misplaced and can be described as failed experiments. It’s still impressive that a Japanese pop star goes back to her old metal roots and even discovers new and quite modern genres after all these years and I have a lot of respect for this mostly succeeded attempt. I’m looking forward to discover the singer’s large discography even further in the future and can only recommend you to check this new release out if you happen to be intrigued by her career.

(Online October 16, 2012)

Nur einen knappen Monat nach dem ersten Doppelpack aus den I’m With You Aufnahmen veröffentlichen die legendären Sonnenkönige aus Kalifornien auch schon ihren zweiten Streich mit zwei brandneuen Liedern. Diese ballern leider nicht ganz so effizient wie die ersten beiden Geschütze, aber der geneigte Fan und Sammler der RED HOT CHILI PEPPERS sollte natürlich auch hier unbedarft zugreifen während der gemeine Gelegenheitsfan nicht wirklich etwas Spannendes verpasst.

Das erste Stück „Magpies On Fire“ kommt überraschenderweise ganz ohne Feuer daher und klingt eher wie ein laues musikalisches Lüftchen. Das bedeutet, dass das Endresultat nach etwas ziellosem Radiorock klingt, der auch in einer Jamsession zum Californication Album entstanden sein könnte. Man vermisst ein wenig die Energie des letzten Albums und den frischen Wind, den der neue Gitarrist Josh Klinghoffer nach dem zweiten Abgang seines Freundes, Mentors und Vorgängers JOHN FRUSCIANTE ins Bandgefüge gebracht hatte. Zwar ist das Gitarrenspiel technisch sehr solide, wirkt aber seltsam unpersönlich. Der Gesang klingt zwar nicht gelangweilt, aber recht austauschbar und die gesamte Rhythmussektion macht wohl gerade ein Nickerchen bei dem Stück. Auch ein mitreißender Refrain, ein schönes Solo oder ein bewegender Text lassen sich hier nicht finden, sodass das Stück recht schnell vorbeirauscht und auch nach mehrmaligem Hören unspektakulär bleibt.

Besser macht es da das zweite Lied namens „Victorian Machinery“. Das hört sich zunächst einmal nach Steampunk an, aber leider ist das Stück weniger progressiv als sein Titel. Dafür ist aber die Rhythmussektion wieder zurück unter den Lebenden und verbreitet von Beginn an als Rückgrat des Stückes positive Energie. Die Gitarrenharmonien entfalten sich von etwas verzerrten und experimentierfreudigen Passagen bis hin zu verträumten und poppigen Momenten und bilden sicherlich das Herzstück des Liedes. Der Gesang klingt wieder variabler und schwankt zwischen mit angezogener Handbremse kontrollierter Hysterie und entspannter lautmalerischer Träumerei und bildet sozusagen die zweischneidige Seele des Liedes. Leider werden einige Ideen gegen Ende des Stückes zu sehr wiederholt und es fehlt zum Schluss noch ein wenig Mut zur Lücke in Form eines emotionellen Ausklangs, aber ansonsten ist das Lied wirklich sehr ansprechend.

So bleiben unter dem Strich für den eingefleischten Fan zwei recht unterschiedliche Lieder. Eines ist eher schwach, das Andere ist wiederum ziemlich gut gelungen und so lässt das Resultat einen etwas zwiespältig zurück. Schauen wir mal wie sich die Kalifornier auf ihrer dritten von neun Singles schlagen werden, die am 28. September 2012 das Licht der Welt erblicken wird.

(Online 16. Oktober 2012)

Only a month after the first vinyl single debuting the release of a total of nine releases from the “I’m With You” sessions, the legendary RED HOT CHILI PEPPERS are already back with two brand new songs. In my humble opinion, the band though can’t catch up with the two energizing tracks they’ve released only a couple of weeks ago.

“Magpies on Fire” has not much fire inside and comes along as a rather faceless radio Rock track that could have also been recorded during the “Californication” sessions. The vocals sound rather ordinary, the rhythm section is not powerful at all, and the track also lacks of a gripping chorus or something else that might awake a minimum of attention. The only intriguing aspect about this song is the solid guitar play by the young and talented Josh Klinghoffer but even he doesn’t sound too unique on here and his style reminds me a little bit too much of his mentor and predecessor John Frusciante who quit the band about three years ago for the second time to focus on his solo career. 

The second song entitled “Victorian Machinery” is though clearly better. The rhythm section comes along as the backbone of this song and is indeed much more present than in the first one. Especially bassist Flea shows once again why he is considered as one of the best contemporary musicians on his instrument. The discordant and quite experimental guitar tones form the heart of the song. The slightly discordant vocals also sound much more diversified and emotional than in the first song and could be described as the track’s soul. The song includes a few (and at first try) unpredictable changes and varies from soft to harder parts. The song sounds like the bastard of a heavier and progressive track from the heavily underrated “One Hot Minute” release and a more laid back song coming from the “Stadium Arcadium” sessions. This mixture works rather well even though the concept gets a little bit repetitive towards the end and would have needed a few more fresh ideas to get a better rating.

In the end, we have a rather weak and a rather strong track on this release that I would only recommend to the real fans of the band that are looking for the purchase of each one of the nine single releases. Let’s see how the next two tracks will sound as they are already going to be released in a couple of days.

(Online October 16, 2012)

MONO FÜR ALLE! ist eine Band aus dem kleinen Städtchen Gießen, die mit einer sehr eigenen Musikrichtung irgendwo grob orientiert zwischen disharmonischen Elektropunk, transzendentem Ambient und drogenvernebelten Krautrock polarisiert. Die Gruppierung selbst will und lässt sich auch nur unschwer klassifizieren und zudem geht es hier auch weniger um die Musik selbst, als um die provokanten Texte für welche die drei Musiker verehrt und angespien werden. In ihren sozialkritischen Texten kommentieren sie oft aktuelle Themen aus der Sicht verschiedener Individuen, die meist einen radikalen Stereotyp vertreten. So wünscht sich in einem Lied der verbitterte Arbeitslose und Altkommunist die Deutsch-Demokratische Republik unter Erich Honecker zurück, ein anderer Mensch berichtet über seinen Wandel vom engagierten Pazifisten zum vermummten Steineschmeisser und wieder eine andere Person kommentiert auf zynischste Weise die Terroranschläge vom elften September. Für einige Texte hat die Band nicht nur polarisiert, sondern wurde unter Anderem vom deutschen Staat präventiv überwacht, um die Bildung einer möglichen staatsfeindlichen Miliz zu verhindern und einige Kläger zerrten die Band gar vor Gericht, weil ihre Lieder im Radio gespielt wurden oder man die kontroversen Stücke mitsamt ihren Texten einfach von der offiziellen Internetpräsenz der Gruppe herunterladen konnte. Vor einiger Zeit verkündeten MONO FÜR ALLE! dann, dass sie alle Prozesse gewonnen hätten und von allen Anklagen freigesprochen worden wären, da ihre Musik auch ganz offiziell laut richterlichem Urteil als Kunstwerke zu betrachten sind. Dennoch herrschte um die Band eine ganze Weile Stille, obwohl auch über ein mögliches neues Album schon vor Jahren sinniert wurde. Immerhin geht das kontroverse Trio pünktlich zum Weltuntergang wieder auf Tournee und jeder musikalische Freigeist, den das Kontroverse und Ungewöhnliche anzieht, sollte sich diese Gelegenheit nicht nehmen lassen. Zu diesem Anlass habe ich mir quasi zum zehnjährigen Konzertjubiläum noch einmal ganz detailliert die vorliegende Veröffentlichung vorgenommen.

MONO FÜR ALLE!, das sind der Sänger Mono, der mit seiner leicht androgynen Stimme mal kindlich sanft, dann wiederum hysterisch aggressiv in sein selbstgefertigtes Mikrofon singt, das bei Konzerten in bester Handarbeit an seinem Hals fixiert ist. Zudem bedient er eine elektrische Orgel, die für Disharmonie sorgt und gewissermaßen das dominierende Instrument der Gruppierung ist. Bei Konzerten muss das gute Stücke öfters schon einmal leiden und geht in Flammen auf. In manchen Stücken greift Mono dann sogar zur Gitarre oder spielt auch mal Mundharmonika. Neben ihm auf der Bühne ist Yenzzo an der Bassgitarre, der mal wirklich langsame und simple Noten zupft, dann aber auch schon einmal schnell ein deftiges und oftmals improvisiertes Riffgewitter aufkommen lässt. Das Trio wird komplettiert durch Kick, der eine ganz ähnliche Ideologie am Schlagzeug verfolgt und von entspannten Loops in halsbrecherische Solokaskaden zu wechseln vermag.

Die Gruppierung ist auch für ihre alternativen Aktionen berühmt geworden. Dazu gehört die Tatsache, dass die Band sich von Beginn an des Internets bediente um einen gewissen Kultstatus zu erreichen und man konnte die Alben der Band teils gratis von ihrer Internetpräsenz herunterladen. Auch das Projekt mit einer exklusiven Single im Jahr 2005 die deutschen Charts zu knacken und wenigstens unter die besten einhundert Lieder zu kommen, sorgte medial für viel Aufmerksamkeit. Das wohl abgefahrenste Projekt ist aber auf der hier vorliegenden CD und SVCD zu bestaunen. Die Veröffentlichung kommt in einer einfachen aufklappbaren Holzbox ohne Beschriftung und auch nach einem Booklet oder Ähnlichem sucht man vergeblich. Alles was zählt ist der Inhalt und davon gibt es wiederum reichlich.  

Die Band entschied sich vor knapp zehn Jahren mit einer kleinen Gruppe von Anhängern, die für lächerliche neunundachtzig Euro mit dabei sein konnten, zwei Fahrzeuge zu entern und sich auf in den Süden Spaniens zu machen. MONO FÜR ALLE! enterten so nach einer abenteuerlichen Odyssee, bei der am Ende die Instrumente per Boot angeschleppt werden mussten und die Fans selbst sich per Fußmarsch durch die Wildnis kämpfen mussten, den Strand der isolierten Hippiekommune von San Pedro ohne zuvor die dortigen Bewohner über ihr Vorhaben informiert zu haben. So spielte die Band ein kleines Konzert, das ganz unterschiedlich aufgenommen wurde. Manche Hippies waren von den ungewohnten Klängen hellauf begeistert, andere fühlten sich durch die aggressive Energie eher gestört und wollten gar die Polizei rufen. So kam es während des Konzertes auch zu einigen ungewöhnlichen Zwischenfällen. So enterte ein Fan mit einer Art übergroßen Stock die Bühne um dort seltsame Tänze aufzuführen, wobei er einige Mitglieder der Band dabei mehrfach schmerzhaft berührte. Hin und wieder hörte man während des Konzerts auch einen kläglich jaulenden Hund, dem die Musik wohl weniger bekommen war. Zu einem anderen Zeitpunkt zog ein genervter Hippie einfach den Stecker und mitten in einem Lied fiel einfach mal der Strom aus. Gegen Ende des Konzertes enterten einige benebelte Hippies die Bühne und stöhnten irgendwelche spanische Parolen in ein Mikrofon. An Überraschungen mangelte es jedenfalls während des Konzertes nicht und vieles bekommt man hier liebevoll gezeigt.

Musikalisch gesehen spielte die Band fünf ihrer Stücke mitsamt einem kurzen instrumentalen Ausklang der anarchischen Art. Die Texte kann man sich dank deutscher und sogar englischer Untertitel in aller Ruhe durchlesen und sie provozieren natürlich wieder einmal gewaltig und regen auch zum Denken an. Viele Stücke beinhalten improvisierte Instrumentalpassagen oder sind teils viel schneller gespielt als in den Originalversionen, sodass selbst eingefleischte Fans noch etwas sehr Eigenständiges entdecken dürften.

Jeder künstlerische Freigeist sollte sich mit dieser Band einmal auseinandersetzen. Man mag von der kruden Truppe halten, was man will. Man mag sie abgrundtief hassen oder für ihre radikale Eigenständigkeit insgeheim bewundern. Jeder sollte sich mit dem Trio vorsichtig auseinander setzen, denn manche Menschen halten die Band tatsächliche für radikale Staatsfeinde, die einen gehörigen Sprung in der Schüssel haben und verstehen das Konzept des Trios wohl einfach nicht. Wer hier seinen Spaß haben will, der muss ab und zu auch einmal mitdenken und in jeder Hinsicht ziemlich offen eingestellt sein. Fest steht aber, dass der Band mit dieser Mischung aus Konzert und Dokumentarfilm ein ganz ungewöhnliches Experiment gelungen ist mit dem sie sich ein in der Musikgeschichte wohl absolut einmaliges Denkmal gesetzt hat. Dieses Zeitzeugnis kann man als faszinierend oder abstoßend empfinden und es ist definitiv in jeder Hinsicht alternativ. Die Band würde wohl kaum wollen, dass dieses Projekt noch populär wird, aber meiner Meinung nach sollten mehr Künstler aus Film und Musik dieses kleine Meisterwerk kennen und schätzen lernen und sich davon inspirieren lassen. Mir persönlich sagt dieses kreative sowie innovative und doch komplett sporadisch improvisierte Projekt jedenfalls zu und es hat heute noch einen ganz speziellen Platz in meiner inzwischen doch recht umfangreichen musikalischen Sammlung.  

(Online 15. Oktober 2012)